Maricevic Fine Art — одна из ведущих московских галерей искусства, представляет свой новый проект, посвященный великим традициям реализма в русской живописи и творчеству художников-«шестидесятников». Именно в 1960-е годы заявили о себе такие выдающиеся мастера советской эпохи, как братья Ткачевы, Виктор Иванов, Валентин Сидоров, Алексей Грицай, Андрей Курнаков и Гелий Коржев, чьи работы представлены на экспозиции галереи в рамках Московского Международного Салона Изящных Искусств (Moscow World Fine Art Fair).

В 1960-е годы в России на авансцену изобразительного искусства вышла целая плеяда художников, которые, несмотря на сложное послевоенное время, атмосферу тоталитарного государства и жесткую пропаганду, сумели, не идя наперекор власти и не нарушая принятых ею канонов, создать великое искусство, по духу и по качеству живописи сравнимое с самыми выдающимися примерами русской классической школы XIX века.

Наполненная жизненностью, ярким колоритом и экспрессией живопись «шестидесятников» стала, с одной стороны, прямым продолжением традиций Передвижничества и русского реализма, с другой стороны вобрала в себя все лучшее, что было у импрессионистов и выдающихся художников русского авангарда. Это искусство стало негласной оппозицией официальному «утопическому» направлению в живописи, служившему исключительно коммунистической пропаганде и практическим целям Советской власти.

Многие склонны объяснять низкое качество и откровенную политизированность официального советского искусства тем, что художники часто вынуждены были сознательно закрывать глаза на реальную жизнь и доводить себя до состояния «эйфории», искренне веря в то, что они изображают. Александр Самохвалов с его портретами идеальных советских женщин, по образцу которых потом подбирали героинь в кинофильмах 70-х годов по тематике довоенных лет, Александр Герасимов с его помпезными картинами, изображающими Сталина то с Ворошиловым в Кремле, то на Тегеранской конференции, и целый ряд других художников, писавших согласно требованиям эпохи советские праздники или сюжеты на производственные темы — все они были «жертвами» своего времени и жесткого диктата власти.

Все изменила Отечественная война, принесшая стране не только множество великих потрясений, горя и страданий, но и великий духовный подъем и заряд патриотизма, которые возродили и наполнили новым смыслом находящееся в упадке советское искусство. Энергия нового созидательного порыва благотворно сказалась на художественной культуре тех лет, стала своего рода катализатором быстрого становления и расцвета нового крупного направления в изобразительном искусстве, ядро которого составили мастера «сурового стиля». Рядом работали представители старшего поколения, такие как А.А.Пластов, А.А.Дейнека, Ю.П.Кугач, Б.В.Йогансон и др. Всех их объединило стремление к Правде, желание как можно точнее выразить мысли и настроения своих современников показать человека во всей полноте его духовных проявлений, воплотить красоту родной природы в единстве с жизнью страны и народа.

Представленные в экспозиции Maricevic Fine Art картины братьев Сергея и Алексея Ткачевых, Виктора Иванова, Валентина Сидорова, Гелия Коржева, Алексея Грицая, Андрея Курнакова, уникальны, наделены бессрочным значением и долговечной выразительностью настоящей классики. На творчество большинства художников представленной группы характерный отпечаток наложила эпоха Великой Отечественной войны. Сергей Ткачев и Андрей Курнаков прошли фронт, щедро зачерпнули из чаши народных страданий, но вместе с тем, обрели бесценный человеческий опыт, существенно повлиявший на их идейное и творческое формирование. Более молодые художники, не получившие боевого крещения, жили, взрослели среди людей, опаленных войной. Убеждения, верования фронтовиков, их трезвые, независимые суждения о текущих делах и проблемах служили творческой молодежи ориентиром в поисках жизненной и художественной Правды, помогали найти верный критерий для оценки происходящего, осознать истинные потребности и стремления народной жизни.

Не прекращающаяся последнее десятилетие мода на классику XIX века, и в особенности на творчество Передвижников несколько затмила достоинства не менее выдающихся мастеров реалистической школы ХХ века — часто их прямых учеников и духовных последователей. Именно поэтому до недавних пор сам факт наличия «другого» советского искусства, лишенного помпезности и лицемерия оставался незамеченным для значительной части широкой публики.

Каждый из представленных в экспозиции Maricevic Fine Art живописцев занимает особое место в искусстве, является яркой, самобытной личностью, сложившейся в определенных эпохой обстоятельствах. Художники принадлежат к поколению мастеров, проложивших путь новому реализму двадцатого века, продолживших великую традицию изображения мира в его истинном облике и подлинной красоте. Именно благодаря этому неустанному стремлению к свободе и своим истокам, поиску правды и красоты в простых, казалось бы, вещах и возник в те годы столь яркий и оставивший глубокий след в истории расцвет русской художественной культуры, отзвуки которого мы чувствуем и по сей день. Вещественные тому доказательства — картины, которые мы представляем Вашему вниманию. Именно сегодня у нас есть уникальная возможность поклониться таланту художников «старой традиционной закалки», продолжающих, несмотря на преклонный возраст, плодотворно трудиться и по сей день, сохраняя традиции, которыми славится русская школа живописи.

Maricevic Fine Art
Русская живопись XIX — XX веков.
Консультации по западноевропейской живописи от Старых Мастеров до Импрессионизма.
Россия, Москва,1-й Обыденский пер., д.8
телефон: +7-495-290-43-83
телефон/факс: +7-495-290-49-12
maricevic@gmail.com
www.maricevicfineart.com

Ткачев Сергей Петрович (р. 1922) и Ткачев Алексей Петрович (р. 1925) — выдающиеся художники — жанристы, уже более 50 лет работают вместе. Творчество братьев Ткачевых сначала развивалось в традиционном русле. Однако, списывание с натуры их нисколько не привлекало, отсюда появилась расхлестанная, экспрессивная и очень фактурная живопись, устанавливающая дистанцию между фотографически воспринятой реальностью и искусством. Круг интересов Ткачевых сосредотачивается на жизни простых людей, причем художники изображают не события с интригующим сюжетом, а обыденную трудовую жизнь и повседневный быт. Ткачевская живопись создает бодрое радостное настроение своей лихостью, сверканием на воде белильных бликов, энергичным, коротким и широким мазком, лепящим женские фигуры.

Представленный пейзаж, одно из самых известных полотен художников, итог всего творчества братьев Ткачевых. Написан недалеко от родных мест художников — в Брянской области. В этой масштабной и яркой работе — всеобъемлющий образ России, выражающий ее суть, ее истинный и неповторимый облик. Именно эту Родину защищал старший брат — Сергей Ткачев на войне, прошел весь фронт, был тяжело ранен. Все свои юбилеи братья Ткачевы любят проводить именно на этом холме — ставят столы, расстилают скатерти, приглашают множество гостей  и устраивают настоящие праздники. «У этой картины было три варианта. Один, чистый пейзаж — в Брянском музее. Другой в Государственном Русском музее — несовершенная композиция, скорее натурный этюд (и реки нет, и капища, и всего один герой). А этот — третий вариант, он уже с озером, с рекой Десной, более «решенный» и закомпанованный и самый большой из трех,— говорят о своей работе Сергей и Алексей Ткачевы. — Ведь мы выходцы из народа, из самых его недр, поэтому самое главное для нас — любовь к родине, к ее простым людям. Это и волнует нас, об этом и пишем».

Сидоров Валентин Михайлович (р. 1928) — талантливый живописец, председатель Союза Художников России. «Передать чувство Родины совсем не просто. С тем большей благодарностью относится зритель к художникам, которым это дано. К ним, несомненно, принадлежит и Валентин Михайлович Сидоров,— пишет о художнике Гелий Коржев. — Ненавязчиво, через тонкое ощущение сопричастности, сопереживания входит в нас с его холстов Родина». Кажется, что в русской пейзажной живописи уже все сказано. Венецианов, Саврасов, Шишкин, Левитан и пейзажисты более близкого нам времени — Рылов, Крымов, Туржанский и другие не оставили простора для выражения свежего, оригинального взгляда на русский пейзаж. Валентин Сидоров доказал, что природа неисчерпаема для выражения все новых и неожиданных решений. Техника художника — демонстративно простая, нет усложненных наслоений красок, фактуры, все обескураживающее просто. Но в этой простоте — тайна. Картины просты по исполнению, по замыслу, но как они пронзительны по чувству и как правдивы.

Работа «Весна. Высокое небо» очень важна для автора, с ней связаны теплые воспоминания о юности. «Получил той весной я письмо от любимой девушки. И вечером, ну надо же быть такому, по радио передавали второй концерт Рахманинова. И все это по настроению так совпало. А весна тогда была ясная, солнечная. Эмоции положительные легли на душу. Я утром взял блокнотик, надел сапоги кирзовые и отправился навстречу солнцу: искать те самые места, которые вдохновили Левитана на картину «Весна. Большая вода» — мой любимый пейзаж, небольшой по размеру, но очень емкий по эмоциям, — рассказывает Валентин Михайлович. — Прихожу в село Алексеевское, смотрю — огромные тополя стоят, уходят вверх своими ветвями, и прилетевшие грачи кричат в этом синем небе. А еще выше — облака крутые. Такой образ! Там и музыка Рахманинова, и «вечный» гимн природе. Долго-долго стояли такие ясные дни…».

Виктор Иванович Иванов (р. 1924) — один из основоположников «сурового стиля» в русской живописи. Главной темой его творчества, душевной привязанностью стала Рязанщина, родина его матери. Именно там он искал вдохновения, там родились все его живописные образы. В деревне жизнь человека с первого и до последнего дня — как на ладони. Художник увидел в ней единение с природой, исполнение долга, подготовку к спокойному уходу в вечность. Увидел монументальное и романтическое величие крестьянского труда и быта. Простые деревенские вещи в картинах Иванова становятся многозначными приметами деревенского бытия, размеренного и как будто вечного — все это обретает характер некоего торжественного акта и создает атмосферу образной значительности, напряженного эмоционального строя. «Наше искусство было прекрасным, мы создавали произведения, которые, как нам казалось, не искажали действительность,— вспоминает сам Виктор Иванович. — Правда нашего времени — смысл моего творчества. Я верю в реалистическое искусство. Оно придает человеку силу, рассказывает о красоте, физической и нравственной. Реализм — высочайшее искусство, равного которому нет в истории».

Представленная работа — эскиз к одной из самых известных картин Виктора Иванова «Семья. 1945 год», написанной в 1958 — 1964 гг. и находящейся сегодня в постоянной экспозиции Государственного Русского Музея в Санкт-Петербурге. История этой работы очень интересна. Как-то в деревне Красный Яр, где живет много староверов, уже после войны зашел художник в один крестьянский дом, а там сидят фронтовик, жена и три дочери крепкие — все живы. Вот это и есть — победа! «Мне кажется, что это — одна из моих лучших картин. Там и эпоха, и время, и Россия послевоенного времени,— говорит сам Виктор Иванович. — Мне хотелось передать то самое ощущение окончания войны. Бедность была ужасающая, но жизнь была в единстве. Что можно больше сказать о победе, когда человек вернулся с войны и сидит вместе со своей семьей, дома? Решил написать картину, изобразив самую суть человеческой жизни — хлеб, земля, мир».

Алексей Михайлович Грицай (1914 — 1998 г.) — художник ленинградской школы, в его картинах — лиризм пушкинской поры в изображении русской природы, простые и ясные мгновения жизни. Алексею Грицаю удалось сказать веское слово в пейзаже, уделив внимание камерности и задушевности композиций, в противовес распространенному в советские времена культу монументальности. Природа у художника внутренне глубоко связана с человеком, поэтому жанровые мотивы столь естественно вписываются в его пейзажи.

Алексей Грицай посвятил весне очень много своих работ. Представленная картина заняла у художника несколько лет, но именно благодаря этому мастеру удалось уловить то особенное весеннее настроение, атмосферу светлого праздника. Мягкая цветовая гамма пейзажа излучает внутреннюю энергию, поражает глубиной и насыщенностью тона, имеет ясно ощутимую эмоциональную окраску. В этой работе Алексею Грицаю более всего хотелось передать то трепетное состояние природы, «когда зелени еще нет, но особый свет заливает землю, и в прозрачном легком воздухе ощущается стремительность весенних перемен», и ему это, бесспорно, удалось.

Курнаков Андрей Ильич (1916, Орел) лирический художник, человек сложной судьбы — прошел войну, был в немецком плену, основал «орловскую» школу живописи. Профессор Орловского государственного университета, А.И.Курнаков воспитал не одно поколение живописцев, графиков и преподавателей изобразительного искусства. Свое творчество посвятил родным «тургеневским» местам. «Основа моей живописи — природа и человек в ней. Пишу только то, что душа приемлет — и это справедливо и правильно для художника. Каждую картину должен пережить, представить, какой она будет»,— говорит Андрей Ильич. Любовь к родному краю — живительный родник неиссякаемой творческой молодости Мастера, его жизнеутверждающего, воистину народного искусства.

«Жатва» — правая часть триптиха «Земля» — яркая и солнечная, полна надежды на возрождение. Желанием автора было создать новый образ человека-труженика, пережившего войну. Андрей Курнаков всегда был против «штампов» в искусстве. Вместо пропаганды идеального типа советского человека, он писал человеческий образ. «Каждый человек — уникум. Он во все времена остается индивидуальностью. Только тогда его портрет будет вызывать настоящие эмоции»,— говорит Андрей Ильич.

Гелий Михайлович Коржев (р. 1925) — человек духа, живой «гений» советской эпохи. Каждая его картина — очень глубокое, самостоятельное произведение. Никогда не считал себя художником «сурового стиля», вопреки мнению целой плеяды именитых искусствоведов. «Суровый стиль» начинали Петров-Водкин и Дейнека, а не мы!»,— говорит Коржев. Отказался от двух орденов постперестроечного времени, называя себя «социалистическим реалистом». «Человек сложного, многогранного характера — умница, философ, каких сейчас нет. Высокий, с бородой, похож на Сократа, с ним страшно говорить!»— рассказывают о Коржеве его друзья, художники Сергей и Алексей Ткачевы. Картины Гелия Коржева сегодня очень популярны за рубежом, где часто выставляются и пользуются большим спросом среди коллекционеров.

В серии натюрмортов «Античные» конца 1980-х начала 1990-х годов автор изобразил мужские и женские гипсовые маски и античные мраморные бюсты. «Натюрморты дают мне хорошую возможность отрабатывать приемы композиционных построений,— говорит Гелий Коржев.— Именно в них я выбираю, отыскиваю наиболее выгодную точку зрения на предмет. Тоновыми контрастами акцентирую внимание на предметах, вычленяю наиболее существенные их детали». Представленная работа изображает изваяние римского политика и философа-стоика Сенеки в идеальном образе мудреца, духовно независимого и преодолевшего людские страсти.